Théodore Géricault (Rouen 1791 – Parigi 1824)
“Vergine del Purgatorio”
Olio su Tavola
Collezione Privata
Soltanto il pennello e la fervida immaginazione di Théodore Gericault, potevano concepire un capolavoro tanto innovativo quanto emotivamente inquietante
In questo meraviglioso dipinto dal colore compatto di impostazione ancora settecentesca probabilmente eseguito durante il soggiorno in Italia, Géricault, utilizza toni pallidi per i corpi, colori fangosi e scuri per i loro vestiti, e una gamma cromatica che comprende colori a lui cari, quali il vermiglione, bianco, giallo Napoli, diversi tipi di ocra, sfumature di terra di Siena, carminio, blu di Prussia, Pesca-Arancio, terra di Cassel.
Divide esattamente in due parti uguali il dipinto: la parte superiore spirituale, religiosa, ultraterrena, leggera, multi-cromatica accesa e varia, con al centro la Madonna col bambino, eretta e austera, sospesa tra abbondanti e vaporose nuvole iridescenti che riprende stilisticamente i classici da lui ripetutamente studiati come Michelangelo e Raffaello e la parte inferiore, quella terrena, più pesante, cupa, quasi monocromatica, fangosa, opalescente e drammatica, con gli esseri umani feriti,i sporchi, mutili e disperatii, stilisticamente invece sintesi pittorica delle cerebrali soluzioni di Poussin con l’esasperato realismo di Caravaggio.
Unico tramite tra le due parti così diverse e distanti, il meraviglioso Angelo, bellissimo, eretto, imponente, candido e puro, ma con enormi, ed inquietanti ali scure.
in una personalissima visione del Purgatorio, Gericault rappresenta non anime, ma l'essere umano nella sua più disperata solitudine, di fronte alle scelte errate della vita, alle sofferenze, al dolore.
La sua attenzione è attratta dalla sofferenza umana, dalla sconfitta, dalla tragedia, che rappresenta crudemente nella parte destra del dipinto. con i veterani, soldati francesi feriti e stremati che ritornano dalle disastrose campagne militari.
Come ne "La guardia del Louvre" in cui illustra una notizia letta sul giornale, di un mutilato di guerra che, scambiato per mendicante, viene allontanato dal Louvre da un guardiano; il veterano, allora, apre il cappotto mostrando le medaglie, nel plauso degli astanti, provocando il giusto imbarazzo del guardiano, che forse fino a quel momento si sentiva orgoglioso e superiore agli altri per la divisa d'ordinanza che porta, e ora ha davanti un vero eroe.
Povera gente, sconfitti dalla vita e dalla guerra, feriti, mutilati, sporchi, claudicanti, ma che hanno ancora una dignità e una speranza di intercessione divina per porre fine alle proprie sofferenze.
Nella parte sinistra invece, i dannati.
Nella disperazione, in un groviglio di corpi, è rappresentato completamente senza speranza, l’entourage del pittore.
Lui, Gericault, seduto, assente, con lo sguardo perso nel vuoto, avvolto nelle sue alienazioni.
Sotto di lui, la morte del suo amore: distesa e spettrale, di un livido pallore lunare è probabilmente rappresentata Alexandrine Modeste Caruel de Saint-Martin,e al fianco di lei il peso opprimente della colpa, il figlio non riconosciuto Hippolite, frutto del loro amore proibito, in braccio alla “Grosse Suzanne” la donna che lo adotterà.
Già avvolto dalle rosse fiamme dell’inferno si protende implorando un improbabile perdono, l’abbozzo disperato dell’amico Delacroix, con accanto il fantasma seduto del vecchio zio Caruel a tenere vivo il ricordo del tradimento e a mordere la coscienza senza tregua.
Siamo alla definitiva consapevolezza della propria debolezza e di un futuro senza speranza.
Chi è causa del suo male, non avrà la redenzione.
Théodore Géricault (Rouen 1791 – Paris 1824),
“Vierge du Purgatoire”
huile sur panneau
oeuvre du periode italienne de Gericault
Collection Particulere
Seul le pinceau et l'imagination fervente de Géricault pouvaient donner naissance à un chef-d'œuvre aussi novateur que émotionnellement dérangeant.
Dans ce magnifique esquisse romantique aux couleurs compactes stylistiquement toujours au XVIIIe siècle, probablement exécuté pendant le séjour en Italie, Géricault utilise des tons clairs pour les corps, des couleurs sombres et boueuses pour leurs vêtements et une gamme qui comprend des couleurs qui lui sont chères, telles que le vermillon, le blanc, le jaune Naples, différents types d'ocre, nuances de terre de Sienne, carmin, bleu de Prusse, Pêche-Orange, terre de Cassel.
Il divise exactement en deux parties égales le tableau: la partie superieur, spirituel, religieux, surnaturelle, léger, multi-chromatique éclairé et varié, avec la Vierge et l’enfant au centre, erigée et austère, suspendu entre des nuages irides abondants et vaporeux, qui reprennent stylistiquement les classiques qu’il a étudiés à maintes reprises, comme Michel-Ange et Raphaël, et la partie inférieure, terrestre, plus lourde, sombre, presque monochromatique, boueuse, opalescente et dramatique, avec les êtres humains blessés, sale, mutilée et désespérée, stylistiquement il s'agit plutôt d'une synthèse imagée des solutions cérébrales de Poussin avec le réalisme exaspéré du Caravage.
Lien unique entre les deux parties si différentes et si éloignées, le merveilleux Ange, beau, érigé, imposant, blanc et pur, mais avec d’énormes ailes sombres inquiétantes.
Dans une vision très personnelle du Purgatoire, Géricault ne représente pas les âmes, mais l'être humain dans sa solitude la plus désespérée, par rapport aux mauvais choix de vie, au souffrance, au douleur.
Son attention est attirée sur la souffrance humaine, la défaite, la tragédie, qu'il représente grossièrement à droite du tableau. avec les veterans, soldats français blessés et épuisés revenant de désastreuse campagne militaire, comme dans l’ouvre le “Gardien du Louvre”, dans laquelle il illustre une nouvelle lue dans le journal, d'un soldat mutilée qui, confondu pour un mendiant, est chassé par un gardien du Louvre;
le vétéran ouvre alors le manteau montrant les médailles sous les applaudissements des passants, provoquant ainsi l’ embarras du gardien, qui peut-être jusqu'à ce moment-là se sentait fier et supérieur aux autres pour l'uniforme de l'ordonnance qu'il portait, et qu'il a maintenant devant lui un vrai héros.
Pauvres, gens humbles et simples, submergés par les cas de la vie et par la guerre, blessés, mutilés, sales, boiteux, mais qui ont encore une dignité et l'espoir d'une intercession divine pour mettre fin à leurs souffrances.
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Théodore Géricault (Rouen 1791 – Paris 1824),
“Virgin of Purgatory”
oil on panel
Private Collection
Only the brush and the fervid imagination of Gericault, could give birth to a masterpiece as innovative as emotionally disturbing
In this wonderful painting with a compact color still in the eighteenth century probably performed during the stay in Italy, Géricault, uses pale tones for the bodies, dark and muddy colors for their clothes, and a color range that includes colors dear to him, such as vermilion, white, yellow Naples, different types of ocher, shades of Siena, carmine, Prussian blue, Pesca-Orange, land of Cassel.
It divides exactly in two equal parts the painting: the upper part spiritual, religious, otherworldly, light, multi-chromatic lit and varied, with the Madonna and child in the center, erect and austere, suspended between abundant and vaporous iridescent clouds that resumes stylistically classics he has repeatedly studied such as Michelangelo and Raphael and the lower part, the earthly one, heavier, darker, almost monochromatic, muddy, opalescent and dramatic, with wounded, dirty, mutilated and desperate human beings, stylistically pictorial synthesis of the cerebral Poussin solutions with the exasperated realism of Caravaggio.
Unique link between the two parts so different and distant, the wonderful Angel, beautiful, erect, imposing, white and pure, but with huge, disquieting dark wings.
Géricault's short career had a huge impact on the history of modern art and the evolution of French 19th century painting in particular. His radical choice of subjects taken from contemporary life, his fusion of classical forms with an atmospheric, painterly style, his passion for horses, his attraction to sublime and horrific subjects, and his compassion for the weak and vulnerable in society make him a singularly complex artist, but one who helped set the path for Romanticism's emphasis on emotion and subjectivit.
His work was a watershed moment in the history of modern art, as it married the immediacy of current events and an eyewitness sensibility.
Much of Gericault's work relied on keen observation, social awareness and at times a politically engaged view of the world around him. Indeed, a unique combination of realism and raw emotion can be seen in many of his works, including this wonderful and absolutely personal vision of purgatory.